A universalidade genial de Tigran Hamasyan no Ovar em Jazz

Tigran Hamasyan pode muito bem ser um dos maiores génios musicais que alguma vez tive o prazer de ouvir. Não há outra maneira de o descrever como artista, fazendo jus à incomparável magnificência do seu trabalho: completa adoração e rendição à sua música que é completa e magicamente transcendente.

Só me ocorrem palavras grandes e portentosas de admiração por este artista, é essa a verdade… Tigran é um génio em todos os aspetos e, tendo em conta que me posso apelidar de fã de “longa data“ do seu trabalho, obviamente que “me passei” completamente da cabeça quando soube que vinha ao Ovar em Jazz. O homem, o mito, a lenda. No Ovar em Jazz… Sabendo da sua genialidade, é difícil evitar um pequeno ataque cardíaco, não é?

Tigran, para mim, é um pouco como Bach. Sim, como Johann Sebastian Bach, o compositor barroco. Leu bem!

Isto porque Bach é, de forma um pouco indiscutível, até, o maior génio composicional que alguma vez pisou o planeta, no sentido do domínio da técnica composicional de forma completamente abismal e inigualável.

Não seria nenhum problema para Bach escrever fosse o que fosse, com a análise das suas obras a revelar uma capacidade mental verdadeira e assustadoramente sem igual.

Com Tigran, o que sinto é um pouco o mesmo: sobrepõe as mais variadas texturas e harmonias de maneira genial e, ainda mais brilhantemente, de forma coesa, como se não fosse nada…

Toca polirritmos de uma complexidade olímpica com uma perna às costas. Não, com as duas pernas às costas e um braço ainda atado por cima, porque; para além de tudo, é um pianista extremamente virtuoso e, devo dizer, de uma garra sinceramente inspiradora; que, como pianista, é uma das coisas a que mais dou valor a quem toca o meu instrumento. Tigran usa os compassos mais irregulares possíveis como se fossem um quaternário simples. Mistura todos os modos e escalas possíveis e imaginários, e usa progressões de acordes tão criativas que são mesmo de fora deste mundo. É, enfim, um dos Bachs da nossa geração, um dos melhores artistas que alguma vez vi pisar um palco.

Em cima de tudo isto, é original: além de ser um génio em toda a música que escreve, tem uma coisa que Bach, no seu bom estilo barroquinho, na sua altura já ultrapassado (os Johann Christians e Carl Phillips daquela altura devem-lhe ter chamado “música de cota” muitas vezes, mas às escondidas do pai para não levarem uma surra), a meu ver, e perdoem-me se não concordarem, não tinha: originalidade, uma música completa e indubitavelmente única, um estilo completamente singular em toda a música alguma vez inventada. Mas não há dois Tigrans, a verdade é essa. Nunca vai haver dois Tigrans, nem há mais nenhum como ele. Porque, para além de ser difícil encontrar alguém com o talento de Tigran, será impossível sequer tentar fazer uma cópia dele, reles que seja.

Tigran, por todas as razões possíveis, é completamente fantástico. As suas composições são coesas ao ouvido, mas excruciantemente complexas analiticamente (enquanto escrevo isto ouço harmonia microtonal… para além de música ritmicamente intrincadíssima, harmonicamente extremamente criativa, e timbricamente lindíssima… o homem ainda mete lá pelo meio aquelas técnicas que só mesmo o Jacob Collier para se lembrar de as usar). Mas, para além de tudo isto, Tigran tem fogo!

Um fogo fortíssimo, desgarrado, completamente pungente e eletrizante (já disse genial neste artigo?).

Por muito que goste de analisar, isto não é algo que se explique…
É algo que conheço porque também toco piano. É algo que a minha professora me diz muitas vezes: se não meter o fogo cá para fora a tocar, atrofio.
E é verdade…

Cada vez que alguém sequer toca numa tecla de um piano, é sempre isso que procuro: o fogo!
Esse fogo estridente, potente e visceralmente avassalador.
Nada me preenche a alma como esse fogo. É por isso que ouço muito Evgeny Kissin e Khatia Buniatishvili (dois dos meus pianistas preferidos) e o meu estado natural é a tocar oitavas em fortíssimo no piano.

Mas ouvir este fogo numa composição, ainda para mais interpretado pelo pianista excecional que escreveu essa mesma música, com toda esta garra dentro de si… é uma experiência completamente transcendente!

Nunca a minha alma ficou tão saciada pelo fogo que ouvi na música como neste concerto…

Preenchida, é isso mesmo, de uma maneira que nunca senti antes. Há música que nos transporta para outro lugar, que nos leva para o seu mundo; outra que vem ter connosco, outra que nos sussurra ao ouvido, outra que entra no nosso próprio mundo…

E depois há música que nos preenche por completo. Foi essa sensação que dominou e que se inaugurou em mim nesta noite, ao ouvir o concerto de Hamasyan. É a maneira mais sincera de que eu posso fazer uso para explicar a magnificiência da sua música. É um certo estado de êxtase, de transcendência completa. Se eu fosse ainda a Mariana de 7 anos que começou a tocar o boogie-woogie nº 1 no piano (o compositor era George Martin, lembro-me perfeitamente, e eu pronunciava o seu nome como se ele fosse francês), com certeza sairia do concerto a achar que a magia realmente existe. Tanto pela música fora deste mundo, que mal consigo ainda acreditar que estou a ouvir ao vivo; como pela velocidade e virtuosismo pura e simplesmente impressionantes com que Tigran toca. Porque, como assim ele não tomou uma poção mágica qualquer para chegar àquele nível? (Querida Mariana de 7 anos, quando muito isso chama-se Red Bull, mas nem isso acredito que seja, de todo).

Fora de brincadeiras, isto é seriamente a música mais genial que já ouvi neste festival (continuo a adorar o Abe Rábade, mas estou a falar em termos de genialidade de técnica composicional). Um groove marcadíssimo, digno de qualquer banda rock de projeção mundial, atrevo-me a dizer até muito mais interessante do que a maior parte do rock que se faz hoje em dia (e nem é rock, é jazz com um gostinho bem claro a heavy metal e muitas outras coisas giras), a conjunção de timbres tão característicos de Tigran, e assiduamente tão eletrizante e única… e o ritmo? É melhor nem tentar explicar o ritmo todo, porque já vi vídeos de meia hora no YouTube a tentar explicá-lo e se o tentar fazer fica aqui uma dissertação que já ninguém lê…

A presença em palco de Tigran é algo que sinceramente não perderia por nada. Ver a garra e vida com que encara a música que faz é uma das coisas mais inspiradoras que alguma vez vi em cima de um palco. Estendo os mais sinceros elogios aos músicos que o acompanharam neste concerto, porque acompanhar uma força sobremaneira fulgurante como a dele… não é para fracos. Oh, com certeza que não!

Como já devem ter percebido, portanto, (senão devo estar a fazer um trabalho muito mau) eu adoro a música do Tigran com todo o meu coração. Sem novidades por aí…

Vê-lo ao vivo é, contudo, infinitamente mais maravilhoso do que ouvir a música dele em casa.

Um concerto de Tigran é algo que não nos deixa. Estou ainda a ouvir a sua música e já sei que este efeito, este inteiro, este cosmos flamejante e denso que se apoderou do meu interior, em crescendo, a cada nota de Hamasyan, vai perdurar para sempre. Algures, sem saber muito bem como, aviventou-se dentro de mim a certeza de que esta experiência extraordinária, esta dimensão cativantíssima que me foi dada a conhecer e a incorporar da maneira mais bela possível, me acrescentou algo, montou um novo universo dentro da minha pessoa. Quando o artista nos pediu pra cantarmos uma melodia com ele, foi uma das sensações mais especiais que a música alguma vez me trouxe. Relembro-me das palavras sábias de Rão Kyao, que entrevistara no dia anterior: “a música é uma comunhão, e o aspeto mais importante na música é que exista esta comunhão entre quem a toca”.

Tenho que concordar, não há nada mais fantástico na música do que o seu poder unificador. E não tenho mais adjetivos daqueles grandes e pesadamente floreados para descrever a música de Tigran, por isso resta-me dizer a mais pura verdade: música de tal maneira extraordinária e cósmica como esta, torna impossível que não se crie essa união entre todos os que a ouvem.

E parece-me que isso é um pouco, também, a música de Tigran!

A união exorbitante. A busca pelo mais-que-inteiro. A quebra do perfeito, o altar do que transcende o infalível. O completo que transborda, a atmosfera que se quebra para dar lugar ao eterno. Peço desculpa pela ausência de especificidade analítica musical, mas é impossível dar lugar à reflexão de seja o que for quando cada nota que ouvimos nos toca com cem novas palavras, como se se quebrasse a crosta de vidro de um universo tão vasto, tão roxo, tão emocionante e tão seu; e o nosso coração bebesse esse universo roxo como se descobrisse a mais bela dimensão que alguma vez poderia encontrar.

Por isso… ouçam Tigran!

Imploro-vos. Não é uma sugestão, um exagero, ou um incentivo por conveniência.
É um conselho cândido de quem acabou de ouvir um dos artistas mais especiais da história recente da música Jazz.

Se puderem ouvi-lo ao vivo, ouçam. Se puderem vê-lo a tocar, vejam.

Este tipo de experiência que nos foi transmitida pelo seu concerto foi algo completamente sublime, nem sequer de outro mundo, de outro universo. Lembro-me perfeitamente de sair do concerto e perceber que não fui a única a sentir-me assim, que foi algo universal e coletivo. Disseram-me que já não sentiam isto num concerto há anos, e eu respondi que nunca tinha sentido isto na minha vida…

Ver o Tigran ao vivo é uma dádiva que não se esquece. É o não conseguir pensar em mais nada, ser completamente absorto pela música.

É o sentimento que porventura será percebido como demasiado “romântico” (as palavras que uma pessoa emprega para tentar não dizer lamechas), mas que eu não posso evitar perceber como verdade, talvez porque a música e a Arte me fizeram, através do contacto com elas, viver as coisas de uma maneira muito intensa. Depois deste concerto, tudo é um pouco diferente. Mais colorido. De uma entropia mais viva e desgarradamente natural!

O contraste é cada vez mais uma virtude.

E estas portas, que se abriram através da música de Tigran, este roxo rompante e protuberante, este fabuloso e profundo caos, são algo que me vai ficar gravado para sempre.

Não tenho mais nada a dizer, a não ser elogios “poéticos” que com certeza já cansam.
A música fala por si, e mais do que prometer deslumbrar, conquista, penetra e perdura.
Resta-me agradecer e esperar ansiosamente por uma próxima… porque há lá coisa melhor que isso?!…

Por incompatibilidade de agendas, acabou por não ser possível entrevistar Tigran no Centro de Arte de Ovar. Gentilmente, recebemos posteriormente as suas respostas por escrito, que partilhamos de seguida. É uma leitura que recomendo bastante e que enriquece ainda mais o que já de si foi um mais que um maravilhoso concerto. Boas leituras, e boas audições, é o que vos desejo!

Mariana Rosas (MR): So, good evening to all, my name is Mariana Rosas and today I’m having the ginormous pleasure of interviewing the absolute musical genius we had the pleasure of listening to tonight – Tigran Hamasyan. First of all, thank you so much for your willingness to accept this interview and what a marvellous concert tonight!

So, Tigran, I have to say I have been a huge, huge fan of your work for a long time now and if I’m being completely honest, I almost had a little heart attack when I found out you were coming to my town to play a gig. So, first of all, I would like to ask you something that I’ve always wondered while listening to your music, which is: with all the extraordinarily intricate rhythms and polyphony in your work, how does your compositional process work? Do you listen in your mind to the effect you want to produce and then find a way to write it or is it more of a layering process when you’re writing your pieces?

Tigran Hamasyan (TH): I guess firstly it’s a process of somewhat controlled emotional outburst that I start refining. It really is a therapeutic process and more of a spiritual process. It’s an inside search. The thinking/mind aspect of it has to be there but not take over. It has to be in balance with the emotional aspect of it. I use my ears most of the time then my mind aids the process of finding what I want and whenever something “cool” is born it’s always in these “let go”/ moments when this balance of mind, emotion and body is there.

MR: One of the most common influences that really show and is perhaps the most cited in your work is Armenian ethnomusicology. Where did this passion for your country’s traditional music start and with jazz being one of the most versatile and dynamic styles in all of the musical world, how is it that you mingle and blend Armenian traditions with the jazz world?

TH: I did “discover” Armenian folk music and folk music from other countries during one night where I first heard the music of Jan Garbarek, Keith Jarrett, Ralph Towner and Gurdgieff/De Hartmann and my life changed that night. I realised that Jan, Ralph and Keith were improvising but the musical vocabulary was not that of bebop. Melodically and also harmonically. Among other things there was an influenced from folk music from around the world and harmonies where more open and closer to 20th century classical music, post-bop and modern music…

At that time, I was really into bebop and a little bit into post-bop and I had to find a completely new approach to harmony because the bebop harmonies and really discovered the beauty of centuries old folk melodies that came down to us in the wings of time. This was really fascinating and extraordinary for me. I really begun to study Armenian folk music. I started learning songs, to play and to also sing, learned how to feel the quarter/eight tones, and how the melodies where constructed, what rhythmic structure they have and what specific ornaments were used and how to incorporate all of this on a well-tempered instrument like piano. I started checking out jazz musicians/bands and composers who have already stumbled upon folk music and were influenced by it. Komitas, Shostakovich, Bartok, Jan Garbarek, John Coltrane, John McLaughlin, Arve Henriksen among them…

MR: Tigran, I was curious and decided to try and dig a little deeper as concerning your other influences, besides the already well-known Armenian folklore, and I have to say I found some interesting things like progressive rock, heavy metal, and a quote that I found enquiring, which was that as a young child, your dream was to be a thrash metal guitarist. My question is, how did these influences come into your life and sort of “bend” into your jazz playing and what artists would you cite as your greatest influences when creating your own voice inside the genre?

TH: Honestly, I don’t know where this quote about thrash metal guitar comes from but I grew up listening to a lot of classic and hard rock bands thanks to my father. I didn’t really think or have that moment of “choosing a piano over guitar”. It was always the piano that was dearer to me even though I loved the sound and the energy of heavy guitar riffs and powerful singing of F. Mercury, R.J. Dio, O. Osbourne and R. Plant…

But I also loved Herbie Hancock and Miles Davis… and most importantly I loved improvising (even without knowing what I was doing and at the time had no knowledge of jazz improvisation…).

Our childhood experience really has huge impact on our adult lives and choices we make or emotional attachments we have to this or that. So, the heavy rock aspect is a direct influence of that and I can’t explain why. Important thing to note here is that when I say I like “classical/heavy rock” or “prog rock” it’s really very specific bands that I like which constitute a very small percentage in the mentioned genres. For example, I have never really cared about Aerosmith, Rolling Stones, The Doors… Same goes for jazz for example I was never really into Chick Corea’s electric band or the fusion records. But I am a HUGE fan of all the acoustic records that he put out. At the same time, I loved Herbie’s electric years… This is something that is natural and it’s very personal for everyone. This to say I am not judging or “looking down” upon any of these incredible artists/bands.

MR: Again, inside Armenian folk music, I read that in your teens you were very inspired by Armenian composers such as Arno Babajanian and Avet Terterian, and I believe that at least Babajanian had the same kind of approach that you have to Armenian folk music, as to wanting to blend it with other genres, such as jazz and rock n’ roll. What is it that first fascinated you about this composer and what are the main aspects in your work that you would pinpoint as coming from his influence?

TH: My main influences where Komitas, Babajanian, Khachaturyan, but also non-Armenian composers like Debussy, Shostakovich, Satie, Prokofiev, Ligeti, Alfred Schnittke…

This said I did spend time in analysing how Armenian composers and in general classical/academic composers have incorporated folk music in their works. My absolute favourite from Armenian piano repertoire is Babajanian’s 6 images. It’s my favourite work of his where he really explored the modern a tonal harmonic structure (dodecaphony) and applied it to Armenian melodies. These pieces are true gems of contemporary piano music. It really sounds Armenian but really contemporary and most importantly it’s the mastery of introducing very clever and complicated through simplicity, because it is A tonal music that is pleasurable to listen to (at least for me haha). I used to really love Khachaturyan and Rachmaninoff… but I slowly got tired of harmonic structures that takes source from romantic era composers (out of which I pretty much only like Schubert and Chopin and Brahms’ lieders). Maybe it will change one day. I love Terterian’s works especially his Fire Ring Opera.

Now days I am a big fan of composers like Wolfgand Rihm, Hans Abrahamsen, Meredith Monk, Arto Part… from Armenian composers Artur Akshelyan, Aram Hovhannisyan, Vahram Sargsyan, Michel Petrossian.

MR: Besides your amazing creative growth, your name has already been well-written and sounding in the jazz history books across the world for your astonishing virtuosity on the piano, which was firstly made clearer, I believe, after you moved to the USA. Now, I would like to know, how is it that your studies and experience in America, the crib of Jazz by excellence, shaped your concept of music and the jazz world in particular and in what ways does this approach, or “The American Way”, as you may call it, differ from your previous studies back in the Tchaikovsky Specialized Music Academy?

TH: Moving to the USA has really given me so much. Jazz really lives in the USA so it was important to go to the place where all the most amazing players of the genre were. I have learned immensely from all the people I got to meet and play with such as Ari Hoenig, Francois Moutin, Ravi Coltrane, Nate Wood, Ben Wendel, Ambrose Akinmusire, Harish Raghavan, Justin Brown, Chris Tordini, Gilad Hekselman, and many more. I had a chance to get to play my music and other people music with the best musicians I could possibly dream of playing. I could write a piece of music and within a week I could have played it with 3 different bass players 4 different drummers… Of course, it was very hard being in LA and especially NY while being an immigrant but all of these challenges seemed so small compared to the immense joy and love there was being in a place surrounded by so many great musicians.

Of course, I am grateful beyond words for my student years prior to moving to the US. I have learned so much from all the 3 different classical music schools I went in Armenia and most importantly I am grateful to my jazz teacher and an incredible pianist/composer Vahagn Hayrapatyan, who happened to just come back from studying with Barry Harris and basically taught me how to play bebop with the Barry Harris method.

MR: There is something that I also found captivating about the sources of inspiration that you cite, which is: poetry. That is quite intriguing, and I would like to know in what ways does poetry inspire you and how important and perceivable is that influence in your work, particularly in your “The Bird of a Thousand Voices”, which you have just presented to us?

TH: Poetry can express emotions and thoughts that perhaps you can feel through music. Or at least they both come close to it. Poets somehow find a way to express the inexpressible, the mystery buried in layers, an unimaginable yet real flight, and this is also the case with music.

MR: Finally, about the work you showed us on this concert in itself, I have two questions: firstly, I would like to ask you if you could elaborate some more on the Armenian “epic songs” which you cite as the genre that you reflect on these pieces, and then maybe if you could explain a little your choice of the musicians that have played with you in this concert, which were Areni Agbabian, Yessaï Karapetian, Marc Karapetian and Matt Garstka.

TH: The subject and the inspiration of the music we played in Paris is an ancient Armenian tale named Hazaran Blbul (The bird of a thousand songs/thousand voices). It is the most famous “fairy tale” that is almost so magnificent in its content that can be paralleled with the Armenian epic tale named “The Daredevils of Sassoon”. These tales have come down to us from the depths millennia as they contain very old myths in them and have been a spiritual/psychological guide through the ages helping people overcome traumas, understand themselves. You find these mythical tales everywhere in the world and the same archetypes inside these tales. These tales were told by great storytellers around whom people would gather in barns, around the fire listen. It almost feels like it could be the prototype of the idea of a Theatre. Some of the stories that were considered special (like Hazaran Blbul) was meant to spiritually elevate the listener and tap into deep spiritual knowledge through hidden symbolism (even though this was happening outside religious institution.

I think it is important for children to grow up hearing these ancient tales and epic stories. This mythical thinking is developing the spiritual and psychological state of the child and can have crucial influence on adulthood. It develops the imagination and it also makes one reflect and connect to their roots and see a continuity to cultural/ancestral identity. This could be humbling to know that one’s collective cultural ancestry (or rather their collective unconscious) have developed and passed down tales like this in order to give guidance to the current and future generations to come.

Yessai Karapetian is an incredible young pianist keyboardist and a composer who I met about 15 years ago when he was in his mid-teens. As you can tell the electronica aspect of this album is pretty big and I needed to get someone that would play all these synthesiser parts both on complex synth-metal pieces and on ambient pieces. So, I contacted Yessai and it has been really incredible to play this music with him and also to be on the road with him.

Marc Karapetian (who is Yessai’s brother) is a beast of bass player with a huge sound and amazing musicality whose passion is prog-metal. Marc also plays on other projects with me in trio format and I have been touring with him since 2021.

Matt Garstka is an amazing metal prog-metal drummer (drummer from the band Animals as Leaders). He has an amazing sound and also is a great improviser and is super enthusiastic to explore more into complex rhythmic structures. It has been a while since I wanted to reach out to Matt to play with him and finally last year we had our first concert in the context of The Bird of a thousand voices album.

MR: And that concludes our interview. Once again, I would like to thank you for your availability and kindness to do this interview and for your wondrous concert as well, which I’m sure was a memorable experience to us all. I hope to see you a next time and have a good night!

Fotos: António Dias
Texto: Mariana Rosas